Arte contemporáneo

No hay que pensar tanto ni creer que todo esconde mensajes ocultos, cada uno entendemos lo que queremos de una obra y eso está tan bien o mejor que la opinión de un erudito.

El azul de Matisse me a recordado al de la Nike de Klein

 

Ejemplifico proponiendo una de las últimas obras de Matisse:

 

Estoy enteramente en desacuerdo con usted, @azafran :

• Debemos pensar siempre, al menos como nos enseñó Sócrates. Es lo único que nos libra de la bestialidad.
• Yo no considero que hay mensajes ocultos, ya que eso pertenece a la magia. Lo que sí hay son razones que desconocemos, y cuyo conocimiento nos proporciona un mayor placer de disfrute de las obras de arte.
• Los demás, sean eruditos o no, nos ayudan con su punto de vista. Hay personas con una especial capacidad de comprensión, de la que los demás podemos aprender. Eso no implica plegarse a la opinión de nadie, sino considerar la opinión de otro, con la que puedo o no estar de acuerdo.

 

Mickey Mouse (tras cincuenta años en un arrecife de coral, añadiría yo), de Damien Hirst. Esta obra, recién descubierta por mí aquí, me ha resultado fascinante:



A pesar de su desprestigio, el kitsch no deja de poder ser un punto de partida para algo mucho mejor; como un grano de arena es el punto de partida de una perla natural. No hay que partir siempre de la Venus anadiomena...

 

La obra de Klein creo que reflexiona sobre la fascinación: por una parte, la fascinación racional causada por haber aprendido arte griego clásico; y por otra parte, la fascinación enteramente irracional, puramente física, que nos provoca el azul cobalto (algo parecido a el efecto que causa en nosotros la luz amarilla de vapor de sodio, con la que "vemos" más de noche que con cualquier otra luz del espectro visible). Con la segunda quizá cuestiona la primera.

 

Mi disfrute del arte no se merma por no conocer lo que quiso expresar el artista, es verdad que como dices, cuanto más se sabe más se comprende. A veces esto no es así, imagina este arte conceptual que explica más de lo que expresa. Creo que deberíamos acercarnos al arte sin usar palabras, sin tener que leer un título o una historia que nos condiciona.

Ya vi que pusisteis el Gran Vidrio, obras así de buenas a primeras son imposibles de entender con un vistazo, pero es un tipo de arte distinto, que no busca el gozo estético.

Ya la victoria de Samotracia es genial, pero en mi opinión es todo lo contrario a lo que consideramos como "lo clásico" es perturbadora, moderna, algo salvaje...

Y el azul Klein, no sólo es embaucador por el color, es la textura del pigmento que la recubre y el cambio de escala, deja de ser monumental para convertirse en un objeto coleccionable.

http://taag00.com/yves-klein-nada-sera-una-obra-de-arte-si-yo-lo-decido/

 

PUERTAS A LA IMAGINACIÓN
Mirian Cartagena el abril 16, 2018

El artista ( pintor y escultor ) ROMERO BRITTO nació en el año de 1963 en Brasil, se caracteriza por combinar el estilo de Arte Pop y Cubista con colores vivos, pinta personajes famosos, animales, bodegones, situaciones de la vida cotidiana. Para este artista el Arte es un agente de cambio positivo para el mundo, además se dedica a la Filantropía para una fundación con su nombre.

Más información en el sitio del artista: http://britto.com/es/



Una de las mejores obras de Romero Britto es la " Mona Cat " .

 

Esa es una de las formas de entender el arte. Me parece un buen criterio, pero no es el único, como sabemos.

 

Es el criterio que me ha tocado en este lugar y en este momento. No conozco otro.

 

Para muchas personas, el arte se entiende como techné o ars, en el sentido de hacer algo bien, con buena técnica. Es decir, se refiere a aquello que es difícil de ejecutar correctamente, y que manifiesta una destreza admirable por parte del artista.

Techné es una noción que está muy relacionado con las artesanías y comprende gran parte del arte tradicional.

Por supuesto esto no agota la cuestión de qué sea el arte, pero hace comprensible la postura de muchos según la cual una obra que no requiera esfuerzo, dedicación y talento no vale nada. No importa el contexto, el uso o el discurso que acompañe a la obra.
(A lo anterior habría que sumar el requerimiento de que el producto sea bello, pero no quisiera extenderme más).

El anterior es solo un punto de vista. Como también lo es el tuyo. Hay criterios para analizar el arte, y no todos son igual de válidos, desde luego. Pero no hay una última palabra. El arte no es cuestión de gustos, pero sí de criterios.

Y pienso que una pluralidad de criterios siempre enriquece, a pesar de que no todos me parezcan buenos. Porque a menudo no son inocentes, son armas que utilizamos en el campo de nuestra realidad social...a veces explícitamente y otras veces de forma más velada.

A propósito de la noción de techné recomiendo el libro Historia de seis ideas, de Tatarkiewicz.

 

Sí, esa puede ser la noción del público o del promotor. Pero yo parto desde el punto de vista del creador. Los demás quedaron muy atrás en mi vida y a día de hoy me son enteramente ajenos.

 

Es interesante. No entiendo bien a qué te refieres con el "punto de vista del creador". ¿Te refieres a que eres artista y esa es tu perspectiva? ¿O qué te enfrentas a las obras intentando comprender qué pretende significar con ella el creador?

Esto me hace plantearme algunas cosas. Por ejemplo, que en el arte contemporáneo a veces no existe un creador, sino unos participantes (pienso en performances, en arte experimental...). O también las cuestiones referidas a la obra entendida como signo y portadora de un significado: podemos desligar el significado que quiso transmitir el artista (su intención) del significado que adquiere en el observador. ¿Existe la obra de arte sin público o es algo que sucede precisamente en el observador? Etcétera.

 

Una vez que se ha creado no puede uno dejar de ser creador. Es algo que imprime carácter, que dicen en la Iglesia. Y ese carácter hace que la obra ajena pase a formar parte del bagaje propio; que uno comprenda, o intente comprender, las razones creativas del otro.

En el siglo XX se dio la mayor independencia del artista respecto de su promotor y su público. La coherencia estética se convirtió en el centro de toda obra, y a ella se plegaron el promotor y el público. Pero eso hace tiempo que terminó. Sin embargo en este hilo me ocupo de aquellas cosas, porque yo pertenezco a ese pasado.

 

Eso está realmente bien, pero ¿no crees que existen obras de arte cuyo autor no fue nunca consciente de su acto de creación "artística"? ¿No crees que una obra pueda tener lecturas más interesantes que lo que su creador pretendía originalmente significar? ¿Acaso se anularían entre sí estos significados, prevalecería alguna lectura frente a las otras? ¿No es el creador un observador, y todo observador un nuevo creador?

 

Puedes observar que los niños pequeños, lo siguiente que hacen, una vez que aprenden la letra de una canción, es ironizar sobre ella: sustituyen unas palabras por otras nuevas para que resulten chocantes, y se ríen de ello; la bailan, la teatralizan... Es decir, que es innato en nosotros cansarnos de repetir cualquier asunto y desear hacer algo nuevo; es decir, que es innato en nosotros crear.

Dicen que Shakespeare tomaba obras regulares de otros autores y sobre ellas elaboraba algo mucho mejor. Así que no cabe duda de que una obra puede tener lecturas más interesantes que lo que su creador pretendía originalmente significar.

En el arte, desde el punto de vista de la crítica y de la historia del arte, en muchas ocasiones no se considera más que la obra en sí misma. Pero al creador eso le da igual, porque lo que necesita es sentirse satisfecho con lo creado por él. Necesita sentir que su obra es portadora de valor. Incluso necesita incorporar algo nuevo a lo que ya hizo anteriormente (como a los niños, lo ya logrado no le satisface).

También creamos para los demás, y lo que opinan los demás nos condiciona, nos encauza a alcanzar nuevas perspectivas.