Arte contemporáneo

Las 10 esculturas contemporaneas más asombrosas

El arte contemporáneo si algo tiene es que no te suele dejar indiferente. Unas veces porque piensas que es increíble, otras porque estás convencido de que tu lo harías mejor (con los ojos cerrados y las manos atadas) y otras, sencillamente, porque te parece una tomadura de pelo. En este caso he encontrado una interesante selección de diez esculturas que merecen la pena.
Mi favorita esta de la foto: Sound Wave. Creada en el 2007 por un artista coreano llamado Jean Shin está fabricado con viejos discos de vinilo. Formó parte de la exhibicion "Second Lives: Remixing the ordinary", del Museo de Arte y Diseño de Nueva York. Diseño. Puedes ver aquí
https://www.ilustrae.com/ilustrae/2008/11/las-10-escultur.html

 

https://www.taringa.net/+arte/asombrosas-esculturas-de-metal-d_132qa0

Aqui una pequeño comentario del escultor:

La mitad de lo que se está recogiendo materiales. Busco objetos con significado y sentido, los objetos que tienen conexiones con nosotros como individuos y como un todo. Los restos que uso son parte de nuestra historia humana.

Para mí, la pregunta no es por dónde empezar, siempre es cuándo parar. Es una mirada constante más allá del objeto, más allá de la forma, a lo que sigue. Cada circunstancia, o en este caso, cada pieza, espontáneamente se conecta a la siguiente.

Este surtido aparentemente aleatorio de metal dicta su futuro de una manera muy rápida y espontánea. A pesar de que el control de las soldaduras, los objetos individuales se niegan a ser forzado en forma. La escultura decide por sí mismo lo que se verá como y cuando se haya completado.

 

Edi Hila (1944). Por su composición y colorido, la obra de este pintor me recuerda la de Morandi. La composición me parece característica porque me produce extrañeza: tantos años dedicado profesionalmente a la fotografía; a tener que explicar un objeto y trabajarle el mejor encuadre, o a abandonarme a la intuición y encontrarme una instantánea insospechada... Pero la composición de Hila parece la de las fotografías que se desechan en un reportaje.

 

Analizo compositivamente esta fotografía que he encontrado en la red. Me gusta saber por qué me gusta:

 

Elegante mueble que forma parte de la exposición titulada Hay más que cuatro, presentada por cuatro creadores.

Estos objetos me encantan. Este parece explorar los reflejos y sus paradojas, y me recuerda Alicia en el país de las maravillas. Los estampados de flores permiten que ningún visitante se esnafre:

 

¿Porqué no seguir haciendo el arte de siempre? Esa pregunta parece difícil de responder, y sin embargo puede responderse como esta otra, que parece más accesible: ¿porqué no cultivar las plantas de siempre?

 

Que gran verdad, además, porqué el arte debe ser solamente figurativo y ante algo diferente surge: ¿Qué significa? No es sencillo abstraerse de la forma original...

Abstraccionismo
(Del latín «abstractio»: aislamiento). Una de las direcciones fundamentales del arte burgués moderno, la que pone de manifiesto con mayor nitidez la degradación a que ha llegado la cultura del capitalismo. También se denomina arte no figurativo. Los teóricos del abstraccionismo, por ejemplo, Seuphor, denominan abstracta la obra que «no contiene ninguna evocación, ningún reflejo de la realidad que se observa». El abstraccionismo constituye la culminación lógica del cubismo, del futurismo y de otras tendencias formalistas. Uno de los primeros cuadros abstractos se debió al pintor ruso Vasili Kandinski (1866-1944), en 1910. Otro abstraccionista ruso, Kasimir Malevich (1878-1935) dio a su pintura el nombre de suprematismo (del francés “suprême”, lo que no tiene superior en su línea). Pronto el abstraccionismo surgió en Francia (Delaunay) y en Holanda (grupo “De Styl”, 1917): Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y otros). Después de la segunda guerra mundial, el abstraccionismo florece en muchos países burgueses, sobre todo en los EE. UU. (Jackson Pollock, Rotkho y otros). Sus fundamentos gnoseológicos son el subjetivismo y el idealismo, con lo que se separan arte y vida, se contraponen los aspectos racionales y los emocionales (intuitivos) del proceso creador, la forma artística y el contenido ideológico. El abstraccionismo renuncia a reproducir en el arte imágenes típicas de personas y acontecimientos reales, el medio que circunda al hombre; hace imposible expresar a través de la obra artística el sentido y los fines de la vida del hombre. Sustituye la plasmación de la belleza y del dramatismo de la realidad, inherentes al auténtico arte, por la expresión de cierta “realidad espiritual” mística, de una “energía intuitiva”, de alguna “vibración” del subconsciente humano. Lo característico del abstraccionismo es la total destrucción de la imagen artística por medio de la distorsión extrema de las formas reales, la mudanza de las imágenes en un caos de manchas, líneas, puntos, planos y volúmenes sin significación alguna.
Diccionario filosófico · 1965:2

https://aminoapps.com/c/politica-de...accionismo/w4R4_naUpIrKleVJmkmlVb824YYMKkQM0Q

 

clouds + mountains + waterfalls (nubes + montañas + cascadas)(2015), de Ugo Rondinone (1963):

 

Esto es gracioso, pero también una generalización estéril.

Puede haber destrucción o construcción. Y no tiene por qué haber una imagen previa que sirva de punto de partida; sino que puede prescindirse de ella desde el comienzo. Al no haber una referencia a lo real, no hay "distorsión", ni "mudanza" de lo real. Tampoco tiene por qué haber caos, sino que suele haber un orden, aunque no sea evidente. Pero lo que no suele faltar en el arte abstracto, y en el arte contemporáneo en general, es significación. De hecho muchas obras de arte contemporáneo "irradian" significados; funcionan como un a modo de adivinanza.

 

Edi Hila (1944). Es una pintura aunque parezca una fotografía por su composición. Las sombras sugieren que la luz es cegadora, pero sin embargo el cuadro no es luminoso.

 

Dicen que Alfonso XIII preguntó a Mies van der Rohe para qué servía el pabellón de Alemania de Barcelona, a lo que el último parece que respondió que "para ser bello y significar". Probablemente la cita sea apócrifa, pero al menos es el punto de vista de alguien. En ocasiones sirve para decorar, algo de lo que huyó siempre el arte moderno; sirve para adoctrinar y aprender poses, a moverse, a fumar..., como hizo el cine; sirve para ganar e invertir dinero, reducir impuestos y ganar respetabilidad, como hicieron Thyssen, Guggenheim, etc.; si es una pintura, sirve como una ventana al paisaje que la estancia no tenía; si es un vals, para divertirse bailando y ligar; si es una escultura, sirve como hito urbano, por ejemplo, para quedar con los amigos; sirve para hacernos pensar, porque como decía Borges en El inmortal "no hay placer más complejo que el pensamiento y a él nos entregábamos".

 

Hola muy buenos días-tardes por allí.



Yayoi Kusama, con 86 años, fue, de acuerdo con el The Art Newspaper, la artista más popular de 2014. La popularidad de Kusama se mide de forma sencilla: ‘Infinite Obsession’, una retrospectiva de ella misma, fue la exposición más vista del mundo. Yayoi Kusama vive, voluntariamente, en un hospital psiquiátrico. Representando en sus obras las alucinaciones que sufre. Esta es su forma de mostrar las cosas que solo ella ve durante una crisis.


Kumi Yamashita – Profile (1994)Haroshi – Gary (Dennis Busenitz) (2012)
Kumi Yamashita esculpe usando luz y sombra. El artista constuye objetos simples o coordinados entre si, disponiéndolos en conveniencia con una única fuente de luz. Las obras de arte completas de Yamashita contemplan tanto los materiales (objetos), como lo inmaterial (luz e sombra).



Haroshi es un escultor de Tokyo, elogiado en todo el mundo por sus increíbles esculturas hechas de tablas de skate usadas y partidas. Para crear sus piezas, que pasan directamente para el top de las mejores obras del arte contemporâneo, Haroshi pega las tablas todas juntas para después trallarlas hasta assumir formas tales como corazones, cráneo y otras partes del cuerpo. Sin utilizar cualquier tinta o pigmento adicional, Haroshi utiliza los colores originalmente impresos en las superficies como paleta de tonos.

 

Se denomina como contemporáneo a todo aquello que sucede en el tiempo presente y que pertenece al período histórico de tiempo más cercano a la actualidad. Como adjetivo calificativo, el término contemporáneo sirve para señalar todos los hechos, circunstancias o fenómenos que toman lugar entonces en el tiempo presente y que son parte de una realidad particular actual, contrapuesta a las realidades de otros períodos históricos del ser humano.

De acuerdo a los parámetros históricos se considera contemporáneo a todo aquello que haya tenido lugar luego de la Revolución Francesa (1789). Este evento particular ha sido aceptado como el fin de la Edad Moderna y el comienzo de la Edad Contemporánea que dura hasta nuestros días. En este sentido, todos los eventos históricos, políticos sociales y económicos así como también las creaciones culturales, religiosas y mentales del ser humano que se hallen en este período de tiempo serán consideradas contemporáneas.

Para definir al período contemporáneo se puede recurrir a un número de características que se aplican en gran parte a todos los fenómenos y circunstancias correspondientes al mismo. En este sentido, el período contemporáneo puede ser descrito como un período con cada vez mayor presencia de la tecnología, especialmente de la tecnología celular y virtual, creación de las últimas dos o tres décadas que ha permitido dar un gran salto en las comunicaciones. Al mismo tiempo, la contemporaneidad se caracteriza por el quiebre con las tradiciones y supuestos preestablecidos, así como también por la libertad de expresión, la informalidad de muchas circunstancias, la apertura social y la abstracción artística.

Finalmente, uno de los elementos más importantes y característicos de la Edad Contemporánea es la creciente y ya irreversible interrelación entre todas y cada una de las regiones del planeta, fenómeno que ha visto sus comienzos a fines del siglo XIX y que llega a la actualidad a través de procesos como la globalización y el multiculturalismo.

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Danza contemporanea... Isadora Duncan

I
Bailarina


Descripción
Descripción
Angela Isadora Duncan, conocida como Isadora Duncan, fue una bailarina y coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora de la danza moderna. Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una nube de seda iluminada por los nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral

 

Y además cabe decir que igual que la filosofía sólo puede entenderse haciendo filosofía (como dijo Manuel García Morente a sus alumnos de Tucumán), el arte solamente puede entenderse bien entendido haciendo arte. Porque el arte no solamente es una ubicación en el espacio, en el tiempo, y en la historia, sino también y ante todo, una serie de decisiones, cada una de las cuales tiene su porqué y su legitimidad.

En todo caso, el arte actual puede servir de aliciente. Somos tan proclives a actuar de la misma manera que el resto de nuestra sociedad... Nos viene bien un acicate que no provenga de la desagradable política. En muchos aspectos de la vida, y también en el arte, los receptores, o los que no somos los autores (que son quienes comprenden perfectamente lo que han hecho), debemos recorrer un camino: Labor omnia vincit, escribió Virgilio, y aunque no se trata de una exhortación, sí que sirve como tal: detenernos a considerar una obra que nos atrae pero no sabemos porqué, termina dando sus frutos.